Lois has been involved in the worlds of art, experimentation and creativity since the very beginning. Through the Lois Art initiative, the brand aims to give a voice to emerging artists. In different calls for entries, artists are invited to interpret the brand from their unique and personal point of view.
Director y cofundador de la Action Art Europe, escuela de aerografismo y Bellas Artes.
Antes de admitir que era un artista, quería convertirme en periodista de investigación para sacar a la luz la verdad sobre la humanidad y todo lo que hace, traer un poco de luz a las sombras.
Preferí vivir aprendiendo y luego enseñando cómo hacer las cosas de forma correcta. La ilustración realista me llevó a explorar todas las técnicas manuales, hasta encontrar la ilustración con aerógrafo, lo que me llevó hacia la pintura clásica.
Mundos, personas y universos de diferentes formas, colores y culturas tienen, eventualmente, los mismos principios. 25 años después creo que no estaba equivocado. El arte me ayudó a encontrar la verdad, la alegría y a guiarme por el camino correcto. Me lo dio todo, y puedes estar seguro de que nos llevamos muy bien y nos divertimos mucho juntos.
Turkesa es de Zaragoza y está afincada en Barcelona.
Desde que era muy pequeña empezó a dibujar y a demostrar su pasión por el arte, que ha ido mejorando, ya sea en el colegio, como en la Escuela de Artes y Manualidades de Zaragoza. Allí, mientras estudiaba, conoce a su primer mentor y profesor Ignacio Mayayo, para el que posa de vez en cuando y empieza a hacer pintura en vivo. Al mismo tiempo comienza a pintar en las calles, emezando lo que sin saberlo sería su carrera de artista urbana.
Después de mudarse a Valencia para estudiar Bellas Artes en la universidad, estudios que va dejando y continuando de forma intermitente durante una década mientras viaja, cambia de residencia y busca experiencias que aporten nuevas emociones a su arte. Pasa años viajando entre Cerdeña y España, luego estudió fotografía durante un año en Londres, donde empezó una carrera a jornada completa como artista.
Durante estos años, Turkesa exhibió en numerosas ciudades europeas, así como participar en festivales de graffiti internacionales alrededor del mundo, intentando hacer un lugar en el mundo para el arte femenino, especialmente en las áreas urbanas.
En los primeros años de su carrera, su alias de grafitera era Rabodiga, un nombre que proviene de la historia de su familia, pero unos pocos años después lo cambió por el actual TURKESA.
En 2011 empezó a tatuar en el estudio de su pareja, y de a poco empezó a mejorar su técnica. Al poco tiempo ganó un premio en la Exposición de Tatuaje de Barcelona a mejor artista novel del 2011. Desde entonces ha continuado evolucionando y creando un estilo personal pictórico y delicado.
Actualmente, Turkesa trabaja como tatuadora en Barcelona, y lo combina con la pintura mural y sobre lienzo, preparando a su vez algunas exposiciones en solitario.
La seña de Turkesa ha sido siempre la representación femenina, y desde el principio ha evolucionado a medida que la artista iba creciendo. Últimamente, está buscando nuevas formas de alejarse un poco de esta figura femenina que, de forma incosciente, ha usado repetidamente como su alter ego y, en su lugar, recrear una sensación de feminidad desde la lucha, basada en la naturaleza y lo desconocido.
Las influencias de Turkesa son las pinturas y pintores clásicos más tradicionales. Sin embargo, lo que de verdad ha inspirado a esta artista, es el ambiente que la rodea, y el mundo interior que es capaz de recrear a través de sus emociones.
Magicomora es un caleidoscopio audaz, impactante, que altera la mente y colorido. Nació en Barcelona en 1975, ciudad en la que estudió (La Llotja), y donde cice, pinta, experimenta, juega y crea. Si miramos el mundo a través de sus ojos, con una mirada tan limpia como utópica, descubriríamos una brillante mitología que mezcla con iconos con los que todos nos sentimos identificados junto con fantasía y espectacularidad, lo sorprendente y lo ilusorio.
Un artista multidisciplinar, su prolífico trabajo nos lleva a mundos subversivos, circenses, con preciosos monstruos y fantasías grotescas, en todos sus aspectos: pintura, ilustración, vídeo, comic y performance. Su decálogo artístico personal y, sobre todo, su idiosincrasia pictorial lo han convertido en el mayor exponente de Surrealismo Pop de la Península, permitiéndole exhibir a nivel internacional, editar libros, publicar en varias revistas, diseñar para campañas de publicidad y muchas otras colaboraciones.
Miguel Ángel Sánchez es la cara detrás de la máscara de Saturno.
Nacido en 1979 en un pequeño pueblo a unos cien kilómetros de Barcelona, su contacto con el mundo del grafitti está limitado al mundo de la televisión y a un puñado de fanzines DIY que le permiten empezar a publicar su arte de una manera completamente autodidacta.
Su estilo único evoluciona a máxima velocidad hasta 1995, convirtiéndolo en uno de los referentes de la escena grafitera europea. Sus habilidades con la pintura ya son una marca de estilo que hace que toas sus obras sean fácilmente reconocibles. Además del grafitti, su técnica destaca en otros campos y superficies como la ilustración digital y el diseño gráfico.
Su último desafío ha sido aplicar toda su experiencia y conocimiento a la pintura tradicional. Un nuevo reto. Una nueva victoria.
Mi meta en la vida es convertirme en algo similar a un artista. Con una idea en mente, estudié Comunicación Audiovisual en la Universidad de Popeu Fabra en Barcelona, y luego estuve seis meses de prácticas en la Bauhaus-Universität en Weimar, donde empecé a grabar cortos y a perfeccionar mis técnicas en técnicas experimentales de animación.
Después de trabajar en varias productoras, he montado con un colega mi propia compañía de producción audiovisual llamada «Expectativa Producciones y Comunicación», donde trabajo actualmente. Junto con esto, he hecho voluntariados y formado parte como jurado en varios festivales de cine.
Me encanta aprender y experimentar. Siempre me ha gustado dibujar, si bien todos mis trabajos son autodidactas. Soy colaboradora semanal en la página de Facebook «Weekly Scenario», donde varios artistas internacionales hacen dibujos sobre un tema en común.
Título para la edicón LOIS & ARTS 2017: “Miss Machine”
Técnica: acrílico, tinta negra, rotulador de fieltro, tiza blanca
Tema: Rock, tributo rockstar, Prince, Lemmy Kilmister, David Bowie, old-school tattoo.
Un fotógrafo que se especializa en procesos históricos. Pese a haber estudiado arquitectura, pronto descubrió que tenía una verdadera vocación por la fotografía, por lo que decidió dedicarse a ella de lleno.
En sus primeros años de trabajo, decidió renunciar a usar tecnología digital para experimentar con los procesos fotográficos del siglo XIX, así como restaurarlos y traerlos al lugar que se merecen en la fotografía contemporánea. Esta necesidad creativa lo llevó a construir sus propias cámaras de gran formato.
Tiene sus propias obras expuestas en la Real Academia de Bellas Artes San Fernando en Madrid, en festivales internacionales como Cáceres de Foto y Revela-T (Barcelona), así como en Timisoara (Rumanía)
Sus fotografías han sido expuestas internacionalmente en revistas especializadas como L’Oeil de la Photographie (Francia), Adore Noir (Canadá) y en Lomography Magazine.
A James H. Soul (1970) no le gusta hablar de su vida; hacen que se sienta incómodo y elude las preguntas sobre el tema haciendo alguna broma o remarcando que probablemente sea cierto. Nacido de madre holandesa y de padre desconocido, James viajó mucho durante su infancia, junto con sus hermanos y familiares. Los rumores dicen, o al menos eso he llegado a creer, que su padre fue el batería de una famosa banda por la década de los ’70.
Su hermana pequeña vive en Porto Seguro, en Brasil. Él no lo niega, y añade con resentimiento que fueron abandonados por sus padres en Pretoria, Sudáfrica, mientras la banda de su padre se encontraba de gira en ese país.
James, Carmen y Haché, su hermano pequeño, se encontraron de pronto solos en un hotel de lujo, con sus padres desaparecidos tras una noche de alcohol y drogas. Después de pasar una semana viviendo en el hotel, su tía los llevó con ella a su casa en Ámsterdam, donde pasaron la mayor parte de su adolescencia. Allí fue donde James comenzó a experimentar y desarrollar sus habilidades creativas mezclando, desde un principio, la fotografía y la pintura.
Sin embargo, un incendio en casa de su tía, destruyó la mayoría de sus trabajos iniciales. Solo unos pocos de ellos, que mantiene en un lugar seguro, se salvaron. Después del incidente, los tres hermanos vagaron alrededor del mundo y poco se sabe de sus vidas hasta que en 2010, conozco a James en el restaurante de un amigo en Ibiza. Él trabajaba como camarero, no tenía ninguna pinta de artista y era muy abierto y fiestero. Me gustó desde el principio.
Después de una noche de fiesta, parte del grupo de amigos que habíamos salido, incluido yo, fuimos a su pequeño apartamento, donde vi algunas de las obras que había ido haciendo de vez en cuando. Me impresionaron mucho ya que no se parecían a nada que hubiese visto hasta el momento, con la posible excepción de los trabajos de Peter Beard – aunque sin el exotismo de África – o quizás aquellos de Robert Rauschenberg con sus típicos collages y mezcla de técnicas.
Le propuse a James dejar Ibiza y venirse conmigo a Barcelona, donde lo ayudaría a desarrollar todo el talento que veía que tenía pero que, por varias razones, no había podido explotar. Llegó a Barcelona poco después y nos pusimos a trabajar en su primera sesión de fotos: un completo desfile de procesos manuales como no había visto en mucho tiempo, una cámara con placas de negativos, y horas en el laboratorio fotográfico: «Había olvidado cómo olían los líquidos – me dijo–, papeles artísticos, brochas, acuarelas, plumas, tinta… un complejo proceso que era totalmente manual. Un artista único en plena era digital; eso es James.
A James H. Soul (1970) no le gusta hablar de su vida; hacen que se sienta incómodo y elude las preguntas sobre el tema haciendo alguna broma o remarcando que probablemente sea cierto. Nacido de madre holandesa y de padre desconocido, James viajó mucho durante su infancia, junto con sus hermanos y familiares. Los rumores dicen, o al menos eso he llegado a creer, que su padre fue el batería de una famosa banda por la década de los ’70.
Su hermana pequeña vive en Porto Seguro, en Brasil. Él no lo niega, y añade con resentimiento que fueron abandonados por sus padres en Pretoria, Sudáfrica, mientras la banda de su padre se encontraba de gira en ese país.
James, Carmen y Haché, su hermano pequeño, se encontraron de pronto solos en un hotel de lujo, con sus padres desaparecidos tras una noche de alcohol y drogas. Después de pasar una semana viviendo en el hotel, su tía los llevó con ella a su casa en Ámsterdam, donde pasaron la mayor parte de su adolescencia. Allí fue donde James comenzó a experimentar y desarrollar sus habilidades creativas mezclando, desde un principio, la fotografía y la pintura.
Sin embargo, un incendio en casa de su tía, destruyó la mayoría de sus trabajos iniciales. Solo unos pocos de ellos, que mantiene en un lugar seguro, se salvaron. Después del incidente, los tres hermanos vagaron alrededor del mundo y poco se sabe de sus vidas hasta que en 2010, conozco a James en el restaurante de un amigo en Ibiza. Él trabajaba como camarero, no tenía ninguna pinta de artista y era muy abierto y fiestero. Me gustó desde el principio.
Después de una noche de fiesta, parte del grupo de amigos que habíamos salido, incluido yo, fuimos a su pequeño apartamento, donde vi algunas de las obras que había ido haciendo de vez en cuando. Me impresionaron mucho ya que no se parecían a nada que hubiese visto hasta el momento, con la posible excepción de los trabajos de Peter Beard – aunque sin el exotismo de África – o quizás aquellos de Robert Rauschenberg con sus típicos collages y mezcla de técnicas.
Le propuse a James dejar Ibiza y venirse conmigo a Barcelona, donde lo ayudaría a desarrollar todo el talento que veía que tenía pero que, por varias razones, no había podido explotar. Llegó a Barcelona poco después y nos pusimos a trabajar en su primera sesión de fotos: un completo desfile de procesos manuales como no había visto en mucho tiempo, una cámara con placas de negativos, y horas en el laboratorio fotográfico: «Había olvidado cómo olían los líquidos – me dijo–, papeles artísticos, brochas, acuarelas, plumas, tinta… un complejo proceso que era totalmente manual. Un artista único en plena era digital; eso es James.
A James H. Soul (1970) no le gusta hablar de su vida; hacen que se sienta incómodo y elude las preguntas sobre el tema haciendo alguna broma o remarcando que probablemente sea cierto. Nacido de madre holandesa y de padre desconocido, James viajó mucho durante su infancia, junto con sus hermanos y familiares. Los rumores dicen, o al menos eso he llegado a creer, que su padre fue el batería de una famosa banda por la década de los ’70.
Su hermana pequeña vive en Porto Seguro, en Brasil. Él no lo niega, y añade con resentimiento que fueron abandonados por sus padres en Pretoria, Sudáfrica, mientras la banda de su padre se encontraba de gira en ese país.
James, Carmen y Haché, su hermano pequeño, se encontraron de pronto solos en un hotel de lujo, con sus padres desaparecidos tras una noche de alcohol y drogas. Después de pasar una semana viviendo en el hotel, su tía los llevó con ella a su casa en Ámsterdam, donde pasaron la mayor parte de su adolescencia. Allí fue donde James comenzó a experimentar y desarrollar sus habilidades creativas mezclando, desde un principio, la fotografía y la pintura.
Sin embargo, un incendio en casa de su tía, destruyó la mayoría de sus trabajos iniciales. Solo unos pocos de ellos, que mantiene en un lugar seguro, se salvaron. Después del incidente, los tres hermanos vagaron alrededor del mundo y poco se sabe de sus vidas hasta que en 2010, conozco a James en el restaurante de un amigo en Ibiza. Él trabajaba como camarero, no tenía ninguna pinta de artista y era muy abierto y fiestero. Me gustó desde el principio.
Después de una noche de fiesta, parte del grupo de amigos que habíamos salido, incluido yo, fuimos a su pequeño apartamento, donde vi algunas de las obras que había ido haciendo de vez en cuando. Me impresionaron mucho ya que no se parecían a nada que hubiese visto hasta el momento, con la posible excepción de los trabajos de Peter Beard – aunque sin el exotismo de África – o quizás aquellos de Robert Rauschenberg con sus típicos collages y mezcla de técnicas.
Le propuse a James dejar Ibiza y venirse conmigo a Barcelona, donde lo ayudaría a desarrollar todo el talento que veía que tenía pero que, por varias razones, no había podido explotar. Llegó a Barcelona poco después y nos pusimos a trabajar en su primera sesión de fotos: un completo desfile de procesos manuales como no había visto en mucho tiempo, una cámara con placas de negativos, y horas en el laboratorio fotográfico: «Había olvidado cómo olían los líquidos – me dijo–, papeles artísticos, brochas, acuarelas, plumas, tinta… un complejo proceso que era totalmente manual. Un artista único en plena era digital; eso es James.
Su trabajo está lleno de personajes imaginarios y, a veces, de otros que son muy famosos, con un estilo y una forma de trabajar que resultan demasiado limpias. Nació en Valencia en 1992 y actualmente vive el el barrio emergente de Ruzafa. Nadie sabe cuándo empezó a dibujar, ya que nunca ha parado desde entonces.
Ella maquilla als palabras cuando no sabe qué decir. Le gustan los unicornios, los tigres y las plantas tropicales, siempre combinadas con elementos del espacio. Se graduó en Bellas Artes entre las universidades de Venecia y Valencia, y está graduada en Diseño gráfico en la Escuela de Arte y Diseño de Valencia.
Ha formado parte de exhibiciones como «UNKNOWN ART» y la plataforma Fashionalistas «FACTORY» con sus ilustraciones naive que cuentan historias un poco raras.
Mi vocación siempre ha estado estrechamente ligada al dibujo y la ilustración, esto me llevó a estudiar Bellas Artes, si bien el mundo audiovisual también es un campo que me atrae mucho. Debido a esto decidí estudiar ambas carreras; Bellas Artes y Comunicación Audiovisual.
Hasta ahora, y debido al tiempo invertido en mis estudios, realmente no he podido terminar ninguno de mis proyectos personales aparte de los que llevé a cabo durante mis años de formación. No obstante, he colaborado en trabajos que han sido muy bien recibidos, así como otros de los que no puedo hablar ya que todavía se encuentran en proceso y sin acabar.
Mi colaboración más importante fue para el corto animado «Ex Libris» de María Trénor, el que le otorgó una nominación a los Premios Goya. Para este corto, hice 240 dibujos en tinta para la animación de una escena cuando tenía tan solo 15 años. Después de eso, mis trabajos han estado más centrados en mi carrera.
Nacida en Barcelona en 1975, al cumplir 40 estaba envuelta en mil proyectos. Con una madre editora y un padre diseñador industrial, la curiosidad de Duna la llevó a estudiar en un principio Diseño Gráfico en la Escuela Elisava, posteriormente Fotografía en el Institut d’Estudis Fotografic de Catalunya (IEFC) y, finalmente, Bellas Artes en la Universidad de Barcelona.
Sin embargo ella no acabó ninguna de esas tres carreras, porque «al llegar al último curso, ya no podía aguantarlo más» dice ella, ya que «prima más el concepto creativo que las estructuras académicas estandarizadas, las que no dan placer ni libertad, ni siquiera para explorar el propio margen de error».
Se siente cómoda en varios campos diferentes, como la fotografía, pintura, ilustración y diseño (tanto gráfico como industrial), de hecho, fue galardonada en 2011 con el Bronce el los «Pentawards Worldwide Packaging Design Awards Competition». Pero Duna prefiere que no se la encasille: «si tuviese que describirme a mi misma, diría que soy una creativa, lo que significa que sigo experimentando todo el tiempo».
Mi nombre es Andrés Cerezo Pérez, y nací en Vila-Real (Castellón) el 28 de enero de 1985. Estudié Arte en el instituto y más tarde Diseño de Producto en la Escuela de Arte y Diseño de Castellón.
Tras finalizar la carrera en 2013, empecé a trabajar en los departamentos de I+D de varias compañías del sector cerámico, creando diseños para azulejos cerámicos y suelos. Pero no encontré mi verdadera pasión hasta que compré una máquina serigráfica el verano de 2013 y empecé a imprimir camisetas con mis ilustraciones.
Combino mi colaboración en incontables proyectos altruistas de todo tipo (lo que llaman «amor al arte») mientras doy clases de Expresión de Artes Gráficas en el Spai d’Art (Consejo Juvenil de Vila-Real) y ocasionalmente pintando mobiliario para el negocio de carpintería de mi familia.
Desde siempre he tenido una pasión especial por el denim. De hecho, se podría decir que tengo «sangre azul», pero no por haber nacido en una familia noble, sino porque me apasiona tanto este tejido, que me gusta pensar que el color azul índigo, usado para teñir la ropa vaquera, corre por mis venas.
Debido a mi pasión por el denim estudié diseño de moda, y me especialicé profesionalmente en el dominio de las creaciones con tejido vaquero, trabajando como diseñadora para varias marcas internacionales.
Más tarde estudié también Bellas Artes, con el propósito en mente de encontrar un lenguaje gráfico para poder descontextualizar los vaqueros y ser capaz de crear imágenes en las cuales el material principal fuesen los vaqueros en sí. Todo mi universo gráfico gira en torno a los vaqueros.
Materiales usados: vaqueros usados, cristales Swarovski y cadenas. Técnica: Collage
Director and co-founder of Action Art Europe, a school of airbrushing and fine arts.
Before accepting that I was actually an artist, I wanted to become an investigative journalist to shed light on the truth about humanity and all that it does; to bring some light into the shadows.
I chose to live by learning —and then teaching— how to do things the right way. Realistic illustration led me to explore all manual techniques until I found airbrush illustration, which led me to classical painting.
Worlds, people and universes of different shapes, colours and cultures… eventually they all have the same principles. 25 years later I think I was not mistaken. Art helped me find truth and joy and guided me on the right path. Art gave me everything, and surely, we got along very well and had a lot of fun together.
Turkesa is from Zaragoza and is based in Barcelona.
She showed her passion for art when she was very young and since then she has been drawing and improving, both at school and at the School of Arts and Crafts in Zaragoza. While studying there, she met her first mentor and teacher Ignacio Mayayo, for whom she posed from time to time, and began to paint live. At the same time, she began to paint in the streets, starting what would unknowingly become her career as an urban artist.
After moving to Valencia to study Fine Arts at university, which she left and continued intermittently for a decade while travelling, she changed residence and sought experiences that would bring new emotions to her art. She spent years travelling between Sardinia and Spain and then studied photography for a year in London, where she began a full-time career as an artist.
During these years, Turkesa participated in exhibitions in multiple European cities, as well as in international graffiti festivals around the world, trying to make a place in the world for female art, especially in urban areas.
In the early years of her career, her graffiti alias was Rabodiga, a name that comes from her family history, but a few years later she changed it to the current TURKESA.
In 2011 she started tattooing in her partner’s studio, and gradually began to improve her technique. Soon after she won an award at the Barcelona Tattoo Exhibition for best new artist of 2011. Since then she has continued to evolve and create a delicate and painterly personal style.
Currently, Turkesa works as a tattoo artist in Barcelona, and combines it with wall and canvas painting, preparing some solo exhibitions.
Turkesa’s sign has always been female representation, and from the beginning it has evolved as the artist grew. Lately, she is looking for new ways to get away from this feminine figure that, unconsciously, she has repeatedly used as her alter ego and, instead, recreate a sense of femininity from the fight, based on nature and the unknown.
Turkesa’s influences are the most traditional classical paintings and painters. However, what has really inspired this artist is the environment that surrounds her, and the inner world that is able to recreate through her emotions.
Magicomora is a bold, shocking, mind-altering and colourful kaleidoscope. He was born in Barcelona in 1975, the same city where he graduated (La Llotja), and where he paints, experiments, plays and creates. If we look at the world through his eyes, with a gaze as clean as it is utopian, we would discover a brilliant mythology that mixes icons with which we all identify with fantasy and spectacle, the surprising and the illusory.
Being multidisciplinary artist, his prolific work takes us into subversive, circus-like worlds with beautiful monsters and grotesque fantasies and in all the variants: painting, illustration, video, comic and performance. His personal artistic decalogue and, above all, his pictorial idiosyncrasy has turned him into the greatest exponent of Pop Surrealism in Spain. This has allowed him to exhibit internationally, edit books, publish in several magazines, design for advertising campaigns, as well as take on many other collaborations.
Miguel Ángel Sánchez is the face behind Saturn’s mask.
Born in 1979 in a small town about a hundred kilometres from Barcelona, his contact with the world of graffiti was limited to television and a handful of DIY fanzines that allowed him to start publishing his art in a completely self-taught way.
His unique style evolved at top speed until 1995, making him one of the benchmarks of the European graffiti scene. His painting skills are already a mark of style that makes all his works easily recognisable. In addition to graffiti, his technique excels in other fields and areas, such as digital illustration and graphic design.
His latest challenge has been to apply all his experience and knowledge to traditional painting. A new challenge. A new victory.
My goal in life is to become something similar to an artist. With this idea in mind, I studied Audiovisual Communication at the Pompeu Fabra University in Barcelona, and then I spent six months as an intern at the Bauhaus-Universität in Weimar, where I started shooting short films and perfecting my skills in experimental animation techniques.
After working in several production companies, I set up my own audiovisual production company, together with a colleague, called “Expectativa Producciones y Comunicación”, where I currently work. At the same time, I have volunteered and served as a juror at several film festivals.
I love learning and experimenting. I have always liked drawing, although all my works are self-taught. I am also a weekly contributor to the Facebook page “Weekly Scenario”, where several international artists make drawings on a common theme.
Title for the LOIS ART 2017 edition: “Miss Machine”
Technique: acrylic, black ink, felt-tip pen, white chalk
Theme: Rock, rockstar tribute, Prince, Lemmy Kilmister, David Bowie, old-school tattoo.
A photographer who specialises in historical processes. Despite having studied architecture, he soon discovered that he had a real vocation for photography and decided to devote himself to it.
In his early years of work, he decided to forgo the use of digital technology in order to experiment with 19th century photographic processes with the aim to restore them to their rightful place in contemporary photography. This creative need led him to build his own large-format cameras.
His own works have been exhibited at the Real Academia de Bellas Artes San Fernando in Madrid, at international festivals such as Cáceres de Foto and Revela-T (Barcelona), as well as in Timisoara (Romania).
His photographs have been exhibited internationally in specialised magazines such as L’Oeil de la Photographie (France), Adore Noir (Canada) and Lomography Magazine.
James H. Soul (1970) does not like to talk about his life; questions make him uncomfortable, and he evades the subject by making a joke or remarking that it is probably true. Born to a Dutch mother and an unknown father, James travelled extensively during his childhood, along with his siblings and relatives. Rumour has it, or so I have come to believe, that his father was the drummer in a famous band in the 1970s.
His younger sister lives in Porto Seguro, Brazil. He does not deny it, and with resentment adds that their parents abandoned them in Pretoria, South Africa, while his father’s band was on tour there.
James, Carmen and Haché, his younger brother, suddenly found themselves alone in a luxury hotel, with their parents missing after a night of alcohol and drugs. After spending a week living in the hotel, their aunt took them with her to her home in Amsterdam, where they spent most of their teenage years. It was there that James began to experiment and develop his creative skills, mixing photography and painting early on.
However, a fire at his aunt’s house destroyed most of his early work. Only a few of them, which he keeps in a safe place, were spared. Following the incident, the three brothers wandered around the world and little was known of their lives until 2010, when I met James at a friend’s restaurant in Ibiza. He worked as a waiter, didn’t look like an artist at all and was very open and partying. I liked him from the beginning.
After a night of partying, some of the group of friends who had gone out, including me, went to his small flat, where I saw some of the works he had been doing from time to time. I was very impressed by them as they were unlike anything I had seen so far, with the possible exception of the works of Peter Beard —though without the exoticism of Africa— or perhaps those of Robert Rauschenberg, with his typical collages and mixture of techniques.
I suggested James should leave Ibiza and coming with me to Barcelona, where I would help him develop all the talent that I saw he had but that, for various reasons, he had not been able to exploit. He arrived in Barcelona shortly afterwards and we set about working on his first photo shoot: a complete parade of manual processes I hadn’t seen in a long time, a camera with negative plates, and hours in the photo lab: “I had forgotten what the liquids smelled like,” he said, “artistic papers, brushes, watercolours, pens, ink…” A complex process that was entirely manual. A singular artist in the midst of the digital age; that’s James.
James H. Soul (1970) does not like to talk about his life; questions make him uncomfortable, and he evades the subject by making a joke or remarking that it is probably true. Born to a Dutch mother and an unknown father, James travelled extensively during his childhood, along with his siblings and relatives. Rumour has it, or so I have come to believe, that his father was the drummer in a famous band in the 1970s.
His younger sister lives in Porto Seguro, Brazil. He does not deny it, and with resentment adds that their parents abandoned them in Pretoria, South Africa, while his father’s band was on tour there.
James, Carmen and Haché, his younger brother, suddenly found themselves alone in a luxury hotel, with their parents missing after a night of alcohol and drugs. After spending a week living in the hotel, their aunt took them with her to her home in Amsterdam, where they spent most of their teenage years. It was there that James began to experiment and develop his creative skills, mixing photography and painting early on.
However, a fire at his aunt’s house destroyed most of his early work. Only a few of them, which he keeps in a safe place, were spared. Following the incident, the three brothers wandered around the world and little was known of their lives until 2010, when I met James at a friend’s restaurant in Ibiza. He worked as a waiter, didn’t look like an artist at all and was very open and partying. I liked him from the beginning.
After a night of partying, some of the group of friends who had gone out, including me, went to his small flat, where I saw some of the works he had been doing from time to time. I was very impressed by them as they were unlike anything I had seen so far, with the possible exception of the works of Peter Beard —though without the exoticism of Africa— or perhaps those of Robert Rauschenberg, with his typical collages and mixture of techniques.
I suggested James should leave Ibiza and coming with me to Barcelona, where I would help him develop all the talent that I saw he had but that, for various reasons, he had not been able to exploit. He arrived in Barcelona shortly afterwards and we set about working on his first photo shoot: a complete parade of manual processes I hadn’t seen in a long time, a camera with negative plates, and hours in the photo lab: “I had forgotten what the liquids smelled like,” he said, “artistic papers, brushes, watercolours, pens, ink…” A complex process that was entirely manual. A singular artist in the midst of the digital age; that’s James.
James H. Soul (1970) does not like to talk about his life; questions make him uncomfortable, and he evades the subject by making a joke or remarking that it is probably true. Born to a Dutch mother and an unknown father, James travelled extensively during his childhood, along with his siblings and relatives. Rumour has it, or so I have come to believe, that his father was the drummer in a famous band in the 1970s.
His younger sister lives in Porto Seguro, Brazil. He does not deny it, and with resentment adds that their parents abandoned them in Pretoria, South Africa, while his father’s band was on tour there.
James, Carmen and Haché, his younger brother, suddenly found themselves alone in a luxury hotel, with their parents missing after a night of alcohol and drugs. After spending a week living in the hotel, their aunt took them with her to her home in Amsterdam, where they spent most of their teenage years. It was there that James began to experiment and develop his creative skills, mixing photography and painting early on.
However, a fire at his aunt’s house destroyed most of his early work. Only a few of them, which he keeps in a safe place, were spared. Following the incident, the three brothers wandered around the world and little was known of their lives until 2010, when I met James at a friend’s restaurant in Ibiza. He worked as a waiter, didn’t look like an artist at all and was very open and partying. I liked him from the beginning.
After a night of partying, some of the group of friends who had gone out, including me, went to his small flat, where I saw some of the works he had been doing from time to time. I was very impressed by them as they were unlike anything I had seen so far, with the possible exception of the works of Peter Beard —though without the exoticism of Africa— or perhaps those of Robert Rauschenberg, with his typical collages and mixture of techniques.
I suggested James should leave Ibiza and coming with me to Barcelona, where I would help him develop all the talent that I saw he had but that, for various reasons, he had not been able to exploit. He arrived in Barcelona shortly afterwards and we set about working on his first photo shoot: a complete parade of manual processes I hadn’t seen in a long time, a camera with negative plates, and hours in the photo lab: “I had forgotten what the liquids smelled like,” he said, “artistic papers, brushes, watercolours, pens, ink…” A complex process that was entirely manual. A singular artist in the midst of the digital age; that’s James.
Her work is full of imaginary and sometimes very famous characters, with a style and way of working that are overly clean. She was born in Valencia in 1992 and currently lives in the emerging neighbourhood of Ruzafa. Nobody knows when she started drawing, but she has never stopped since.
She makes up words when she doesn’t know what to say, and likes unicorns, tigers and tropical plants, always combined with spatial elements. She graduated in Fine Arts between the universities of Venice and Valencia, and has a degree in Graphic Design from the School of Art and Design in Valencia.
She has been part of exhibitions such as UNKNOWN ART and the Fashionalistas platform FACTORY with her naive illustrations that tell stories considered a bit weird.
My vocation has always been closely linked to drawing and illustration, which led me to study Fine Arts, although the audiovisual world is also a field that attracts me a lot. That is why I decided to study both degrees; Fine Arts and Audiovisual Communication.
So far, and due to the time invested in my studies, I have not really been able to finish any of my personal projects apart from the ones I carried out during my training years. However, I have collaborated on works that have been very well received, as well as others that I cannot talk about as they are still in progress and unfinished.
My most important collaboration was for the animated short film “Ex Libris”, by María Trénor, which earned her a nomination for the Goya Awards. For this short film, I made 240 ink drawings to animate a scene when I was only 15 years old. After that, my work has been more focused on my career.
Born in Barcelona in 1975, when she turned 40 she was involved in a million projects. With a publisher mother and an industrial designer father, Duna’s curiosity led her to study Graphic Design at the Elisava School, then Photography at the Institut d’Estudis Fotografic de Catalunya (IEFC) and, finally, Fine Arts at the University of Barcelona.
However, she did not finish any of these three courses: “by the last year, I couldn’t take it any more”, she said, “because the creative concept is more important than standardised academic structures, which give no pleasure nor freedom, not even to explore one’s own margin for error”.
She is comfortable in several different fields, such as photography, painting, illustration and design (both graphic and industrial). In fact, she was awarded Bronze in the Pentawards Worldwide Packaging Design Awards Competition in 2011. But Duna prefers not to be pigeonholed: “If I had to describe myself, I would say I’m a creator, which means I’m still experimenting all the time”.
My name is Andrés Cerezo Pérez, and I was born in Vila-Real (Castellón) on 28 January 1985. I studied Art at high school and later Product Design at the School of Art and Design in Castellón.
After finishing my degree in 2013, I started working in the RD departments of several companies in the ceramic sector, creating designs for ceramic tiles and flooring. But I didn’t find my true passion until I bought a screen printing machine in the summer of 2013 and started printing T-shirts with my illustrations.
I collaborate with countless altruistic projects of all kinds (what they call “for the love of art” in Spanish, meaning altruistically) with teaching Graphic Arts Expression at the Spai d’Art (Youth Council of Vila-Real) and occasionally painting furniture for my family’s carpentry business.
I have always had a special passion for denim. In fact, you could even say I have “blue blood”, not because I was born into a noble family, but because I am so passionate about this fabric, that I like to think that the indigo blue colour, used to dye denim, runs through my veins.
Due to my passion for denim, I studied fashion design, and specialised professionally in the mastery of denim creations, working as a designer for several international brands.
Later I also studied Fine Arts, with the aim of finding a graphic language to be able to decontextualise jeans and create images in which the main material was the jeans itself. My whole graphic universe revolves around jeans.
Materials used: used jeans, Swarovski crystals and chains. Technique: Collage
