Lois se ha relacionado desde sus inicios con el mundo del arte, la experimentación y la creatividad. A través de la iniciativa Lois & Arts, la marca se propone dar voz a artistas emergentes. A través de distintas convocatorias, se hace un llamamiento a los artistas para que interpreten la marca desde su visión única y personal.
Director y cofundador de la Action Art Europe, escuela de aerografismo y Bellas Artes.
Antes de admitir que era un artista, quería convertirme en periodista de investigación para sacar a la luz la verdad sobre la humanidad y todo lo que hace, traer un poco de luz a las sombras.
Preferí vivir aprendiendo y luego enseñando cómo hacer las cosas de forma correcta. La ilustración realista me llevó a explorar todas las técnicas manuales, hasta encontrar la ilustración con aerógrafo, lo que me llevó hacia la pintura clásica.
Mundos, personas y universos de diferentes formas, colores y culturas tienen, eventualmente, los mismos principios. 25 años después creo que no estaba equivocado. El arte me ayudó a encontrar la verdad, la alegría y a guiarme por el camino correcto. Me lo dio todo, y puedes estar seguro de que nos llevamos muy bien y nos divertimos mucho juntos.
Turkesa es de Zaragoza y está afincada en Barcelona.
Desde que era muy pequeña empezó a dibujar y a demostrar su pasión por el arte, que ha ido mejorando, ya sea en el colegio, como en la Escuela de Artes y Manualidades de Zaragoza. Allí, mientras estudiaba, conoce a su primer mentor y profesor Ignacio Mayayo, para el que posa de vez en cuando y empieza a hacer pintura en vivo. Al mismo tiempo comienza a pintar en las calles, emezando lo que sin saberlo sería su carrera de artista urbana.
Después de mudarse a Valencia para estudiar Bellas Artes en la universidad, estudios que va dejando y continuando de forma intermitente durante una década mientras viaja, cambia de residencia y busca experiencias que aporten nuevas emociones a su arte. Pasa años viajando entre Cerdeña y España, luego estudió fotografía durante un año en Londres, donde empezó una carrera a jornada completa como artista.
Durante estos años, Turkesa exhibió en numerosas ciudades europeas, así como participar en festivales de graffiti internacionales alrededor del mundo, intentando hacer un lugar en el mundo para el arte femenino, especialmente en las áreas urbanas.
En los primeros años de su carrera, su alias de grafitera era Rabodiga, un nombre que proviene de la historia de su familia, pero unos pocos años después lo cambió por el actual TURKESA.
En 2011 empezó a tatuar en el estudio de su pareja, y de a poco empezó a mejorar su técnica. Al poco tiempo ganó un premio en la Exposición de Tatuaje de Barcelona a mejor artista novel del 2011. Desde entonces ha continuado evolucionando y creando un estilo personal pictórico y delicado.
Actualmente, Turkesa trabaja como tatuadora en Barcelona, y lo combina con la pintura mural y sobre lienzo, preparando a su vez algunas exposiciones en solitario.
La seña de Turkesa ha sido siempre la representación femenina, y desde el principio ha evolucionado a medida que la artista iba creciendo. Últimamente, está buscando nuevas formas de alejarse un poco de esta figura femenina que, de forma incosciente, ha usado repetidamente como su alter ego y, en su lugar, recrear una sensación de feminidad desde la lucha, basada en la naturaleza y lo desconocido.
Las influencias de Turkesa son las pinturas y pintores clásicos más tradicionales. Sin embargo, lo que de verdad ha inspirado a esta artista, es el ambiente que la rodea, y el mundo interior que es capaz de recrear a través de sus emociones.
Magicomora es un caleidoscopio audaz, impactante, que altera la mente y colorido. Nació en Barcelona en 1975, ciudad en la que estudió (La Llotja), y donde cice, pinta, experimenta, juega y crea. Si miramos el mundo a través de sus ojos, con una mirada tan limpia como utópica, descubriríamos una brillante mitología que mezcla con iconos con los que todos nos sentimos identificados junto con fantasía y espectacularidad, lo sorprendente y lo ilusorio.
Un artista multidisciplinar, su prolífico trabajo nos lleva a mundos subversivos, circenses, con preciosos monstruos y fantasías grotescas, en todos sus aspectos: pintura, ilustración, vídeo, comic y performance. Su decálogo artístico personal y, sobre todo, su idiosincrasia pictorial lo han convertido en el mayor exponente de Surrealismo Pop de la Península, permitiéndole exhibir a nivel internacional, editar libros, publicar en varias revistas, diseñar para campañas de publicidad y muchas otras colaboraciones.
Miguel Ángel Sánchez es la cara detrás de la máscara de Saturno.
Nacido en 1979 en un pequeño pueblo a unos cien kilómetros de Barcelona, su contacto con el mundo del grafitti está limitado al mundo de la televisión y a un puñado de fanzines DIY que le permiten empezar a publicar su arte de una manera completamente autodidacta.
Su estilo único evoluciona a máxima velocidad hasta 1995, convirtiéndolo en uno de los referentes de la escena grafitera europea. Sus habilidades con la pintura ya son una marca de estilo que hace que toas sus obras sean fácilmente reconocibles. Además del grafitti, su técnica destaca en otros campos y superficies como la ilustración digital y el diseño gráfico.
Su último desafío ha sido aplicar toda su experiencia y conocimiento a la pintura tradicional. Un nuevo reto. Una nueva victoria.
Mi meta en la vida es convertirme en algo similar a un artista. Con una idea en mente, estudié Comunicación Audiovisual en la Universidad de Popeu Fabra en Barcelona, y luego estuve seis meses de prácticas en la Bauhaus-Universität en Weimar, donde empecé a grabar cortos y a perfeccionar mis técnicas en técnicas experimentales de animación.
Después de trabajar en varias productoras, he montado con un colega mi propia compañía de producción audiovisual llamada «Expectativa Producciones y Comunicación», donde trabajo actualmente. Junto con esto, he hecho voluntariados y formado parte como jurado en varios festivales de cine.
Me encanta aprender y experimentar. Siempre me ha gustado dibujar, si bien todos mis trabajos son autodidactas. Soy colaboradora semanal en la página de Facebook «Weekly Scenario», donde varios artistas internacionales hacen dibujos sobre un tema en común.
Título para la edicón LOIS & ARTS 2017: “Miss Machine”
Técnica: acrílico, tinta negra, rotulador de fieltro, tiza blanca
Tema: Rock, tributo rockstar, Prince, Lemmy Kilmister, David Bowie, old-school tattoo.
Un fotógrafo que se especializa en procesos históricos. Pese a haber estudiado arquitectura, pronto descubrió que tenía una verdadera vocación por la fotografía, por lo que decidió dedicarse a ella de lleno.
En sus primeros años de trabajo, decidió renunciar a usar tecnología digital para experimentar con los procesos fotográficos del siglo XIX, así como restaurarlos y traerlos al lugar que se merecen en la fotografía contemporánea. Esta necesidad creativa lo llevó a construir sus propias cámaras de gran formato.
Tiene sus propias obras expuestas en la Real Academia de Bellas Artes San Fernando en Madrid, en festivales internacionales como Cáceres de Foto y Revela-T (Barcelona), así como en Timisoara (Rumanía)
Sus fotografías han sido expuestas internacionalmente en revistas especializadas como L’Oeil de la Photographie (Francia), Adore Noir (Canadá) y en Lomography Magazine.
A James H. Soul (1970) no le gusta hablar de su vida; hacen que se sienta incómodo y elude las preguntas sobre el tema haciendo alguna broma o remarcando que probablemente sea cierto. Nacido de madre holandesa y de padre desconocido, James viajó mucho durante su infancia, junto con sus hermanos y familiares. Los rumores dicen, o al menos eso he llegado a creer, que su padre fue el batería de una famosa banda por la década de los ’70.
Su hermana pequeña vive en Porto Seguro, en Brasil. Él no lo niega, y añade con resentimiento que fueron abandonados por sus padres en Pretoria, Sudáfrica, mientras la banda de su padre se encontraba de gira en ese país.
James, Carmen y Haché, su hermano pequeño, se encontraron de pronto solos en un hotel de lujo, con sus padres desaparecidos tras una noche de alcohol y drogas. Después de pasar una semana viviendo en el hotel, su tía los llevó con ella a su casa en Ámsterdam, donde pasaron la mayor parte de su adolescencia. Allí fue donde James comenzó a experimentar y desarrollar sus habilidades creativas mezclando, desde un principio, la fotografía y la pintura.
Sin embargo, un incendio en casa de su tía, destruyó la mayoría de sus trabajos iniciales. Solo unos pocos de ellos, que mantiene en un lugar seguro, se salvaron. Después del incidente, los tres hermanos vagaron alrededor del mundo y poco se sabe de sus vidas hasta que en 2010, conozco a James en el restaurante de un amigo en Ibiza. Él trabajaba como camarero, no tenía ninguna pinta de artista y era muy abierto y fiestero. Me gustó desde el principio.
Después de una noche de fiesta, parte del grupo de amigos que habíamos salido, incluido yo, fuimos a su pequeño apartamento, donde vi algunas de las obras que había ido haciendo de vez en cuando. Me impresionaron mucho ya que no se parecían a nada que hubiese visto hasta el momento, con la posible excepción de los trabajos de Peter Beard – aunque sin el exotismo de África – o quizás aquellos de Robert Rauschenberg con sus típicos collages y mezcla de técnicas.
Le propuse a James dejar Ibiza y venirse conmigo a Barcelona, donde lo ayudaría a desarrollar todo el talento que veía que tenía pero que, por varias razones, no había podido explotar. Llegó a Barcelona poco después y nos pusimos a trabajar en su primera sesión de fotos: un completo desfile de procesos manuales como no había visto en mucho tiempo, una cámara con placas de negativos, y horas en el laboratorio fotográfico: «Había olvidado cómo olían los líquidos – me dijo–, papeles artísticos, brochas, acuarelas, plumas, tinta… un complejo proceso que era totalmente manual. Un artista único en plena era digital; eso es James.
A James H. Soul (1970) no le gusta hablar de su vida; hacen que se sienta incómodo y elude las preguntas sobre el tema haciendo alguna broma o remarcando que probablemente sea cierto. Nacido de madre holandesa y de padre desconocido, James viajó mucho durante su infancia, junto con sus hermanos y familiares. Los rumores dicen, o al menos eso he llegado a creer, que su padre fue el batería de una famosa banda por la década de los ’70.
Su hermana pequeña vive en Porto Seguro, en Brasil. Él no lo niega, y añade con resentimiento que fueron abandonados por sus padres en Pretoria, Sudáfrica, mientras la banda de su padre se encontraba de gira en ese país.
James, Carmen y Haché, su hermano pequeño, se encontraron de pronto solos en un hotel de lujo, con sus padres desaparecidos tras una noche de alcohol y drogas. Después de pasar una semana viviendo en el hotel, su tía los llevó con ella a su casa en Ámsterdam, donde pasaron la mayor parte de su adolescencia. Allí fue donde James comenzó a experimentar y desarrollar sus habilidades creativas mezclando, desde un principio, la fotografía y la pintura.
Sin embargo, un incendio en casa de su tía, destruyó la mayoría de sus trabajos iniciales. Solo unos pocos de ellos, que mantiene en un lugar seguro, se salvaron. Después del incidente, los tres hermanos vagaron alrededor del mundo y poco se sabe de sus vidas hasta que en 2010, conozco a James en el restaurante de un amigo en Ibiza. Él trabajaba como camarero, no tenía ninguna pinta de artista y era muy abierto y fiestero. Me gustó desde el principio.
Después de una noche de fiesta, parte del grupo de amigos que habíamos salido, incluido yo, fuimos a su pequeño apartamento, donde vi algunas de las obras que había ido haciendo de vez en cuando. Me impresionaron mucho ya que no se parecían a nada que hubiese visto hasta el momento, con la posible excepción de los trabajos de Peter Beard – aunque sin el exotismo de África – o quizás aquellos de Robert Rauschenberg con sus típicos collages y mezcla de técnicas.
Le propuse a James dejar Ibiza y venirse conmigo a Barcelona, donde lo ayudaría a desarrollar todo el talento que veía que tenía pero que, por varias razones, no había podido explotar. Llegó a Barcelona poco después y nos pusimos a trabajar en su primera sesión de fotos: un completo desfile de procesos manuales como no había visto en mucho tiempo, una cámara con placas de negativos, y horas en el laboratorio fotográfico: «Había olvidado cómo olían los líquidos – me dijo–, papeles artísticos, brochas, acuarelas, plumas, tinta… un complejo proceso que era totalmente manual. Un artista único en plena era digital; eso es James.
A James H. Soul (1970) no le gusta hablar de su vida; hacen que se sienta incómodo y elude las preguntas sobre el tema haciendo alguna broma o remarcando que probablemente sea cierto. Nacido de madre holandesa y de padre desconocido, James viajó mucho durante su infancia, junto con sus hermanos y familiares. Los rumores dicen, o al menos eso he llegado a creer, que su padre fue el batería de una famosa banda por la década de los ’70.
Su hermana pequeña vive en Porto Seguro, en Brasil. Él no lo niega, y añade con resentimiento que fueron abandonados por sus padres en Pretoria, Sudáfrica, mientras la banda de su padre se encontraba de gira en ese país.
James, Carmen y Haché, su hermano pequeño, se encontraron de pronto solos en un hotel de lujo, con sus padres desaparecidos tras una noche de alcohol y drogas. Después de pasar una semana viviendo en el hotel, su tía los llevó con ella a su casa en Ámsterdam, donde pasaron la mayor parte de su adolescencia. Allí fue donde James comenzó a experimentar y desarrollar sus habilidades creativas mezclando, desde un principio, la fotografía y la pintura.
Sin embargo, un incendio en casa de su tía, destruyó la mayoría de sus trabajos iniciales. Solo unos pocos de ellos, que mantiene en un lugar seguro, se salvaron. Después del incidente, los tres hermanos vagaron alrededor del mundo y poco se sabe de sus vidas hasta que en 2010, conozco a James en el restaurante de un amigo en Ibiza. Él trabajaba como camarero, no tenía ninguna pinta de artista y era muy abierto y fiestero. Me gustó desde el principio.
Después de una noche de fiesta, parte del grupo de amigos que habíamos salido, incluido yo, fuimos a su pequeño apartamento, donde vi algunas de las obras que había ido haciendo de vez en cuando. Me impresionaron mucho ya que no se parecían a nada que hubiese visto hasta el momento, con la posible excepción de los trabajos de Peter Beard – aunque sin el exotismo de África – o quizás aquellos de Robert Rauschenberg con sus típicos collages y mezcla de técnicas.
Le propuse a James dejar Ibiza y venirse conmigo a Barcelona, donde lo ayudaría a desarrollar todo el talento que veía que tenía pero que, por varias razones, no había podido explotar. Llegó a Barcelona poco después y nos pusimos a trabajar en su primera sesión de fotos: un completo desfile de procesos manuales como no había visto en mucho tiempo, una cámara con placas de negativos, y horas en el laboratorio fotográfico: «Había olvidado cómo olían los líquidos – me dijo–, papeles artísticos, brochas, acuarelas, plumas, tinta… un complejo proceso que era totalmente manual. Un artista único en plena era digital; eso es James.
Su trabajo está lleno de personajes imaginarios y, a veces, de otros que son muy famosos, con un estilo y una forma de trabajar que resultan demasiado limpias. Nació en Valencia en 1992 y actualmente vive el el barrio emergente de Ruzafa. Nadie sabe cuándo empezó a dibujar, ya que nunca ha parado desde entonces.
Ella maquilla als palabras cuando no sabe qué decir. Le gustan los unicornios, los tigres y las plantas tropicales, siempre combinadas con elementos del espacio. Se graduó en Bellas Artes entre las universidades de Venecia y Valencia, y está graduada en Diseño gráfico en la Escuela de Arte y Diseño de Valencia.
Ha formado parte de exhibiciones como «UNKNOWN ART» y la plataforma Fashionalistas «FACTORY» con sus ilustraciones naive que cuentan historias un poco raras.
Mi vocación siempre ha estado estrechamente ligada al dibujo y la ilustración, esto me llevó a estudiar Bellas Artes, si bien el mundo audiovisual también es un campo que me atrae mucho. Debido a esto decidí estudiar ambas carreras; Bellas Artes y Comunicación Audiovisual.
Hasta ahora, y debido al tiempo invertido en mis estudios, realmente no he podido terminar ninguno de mis proyectos personales aparte de los que llevé a cabo durante mis años de formación. No obstante, he colaborado en trabajos que han sido muy bien recibidos, así como otros de los que no puedo hablar ya que todavía se encuentran en proceso y sin acabar.
Mi colaboración más importante fue para el corto animado «Ex Libris» de María Trénor, el que le otorgó una nominación a los Premios Goya. Para este corto, hice 240 dibujos en tinta para la animación de una escena cuando tenía tan solo 15 años. Después de eso, mis trabajos han estado más centrados en mi carrera.
Nacida en Barcelona en 1975, al cumplir 40 estaba envuelta en mil proyectos. Con una madre editora y un padre diseñador industrial, la curiosidad de Duna la llevó a estudiar en un principio Diseño Gráfico en la Escuela Elisava, posteriormente Fotografía en el Institut d’Estudis Fotografic de Catalunya (IEFC) y, finalmente, Bellas Artes en la Universidad de Barcelona.
Sin embargo ella no acabó ninguna de esas tres carreras, porque «al llegar al último curso, ya no podía aguantarlo más» dice ella, ya que «prima más el concepto creativo que las estructuras académicas estandarizadas, las que no dan placer ni libertad, ni siquiera para explorar el propio margen de error».
Se siente cómoda en varios campos diferentes, como la fotografía, pintura, ilustración y diseño (tanto gráfico como industrial), de hecho, fue galardonada en 2011 con el Bronce el los «Pentawards Worldwide Packaging Design Awards Competition». Pero Duna prefiere que no se la encasille: «si tuviese que describirme a mi misma, diría que soy una creativa, lo que significa que sigo experimentando todo el tiempo».
Mi nombre es Andrés Cerezo Pérez, y nací en Vila-Real (Castellón) el 28 de enero de 1985. Estudié Arte en el instituto y más tarde Diseño de Producto en la Escuela de Arte y Diseño de Castellón.
Tras finalizar la carrera en 2013, empecé a trabajar en los departamentos de I+D de varias compañías del sector cerámico, creando diseños para azulejos cerámicos y suelos. Pero no encontré mi verdadera pasión hasta que compré una máquina serigráfica el verano de 2013 y empecé a imprimir camisetas con mis ilustraciones.
Combino mi colaboración en incontables proyectos altruistas de todo tipo (lo que llaman «amor al arte») mientras doy clases de Expresión de Artes Gráficas en el Spai d’Art (Consejo Juvenil de Vila-Real) y ocasionalmente pintando mobiliario para el negocio de carpintería de mi familia.
Desde siempre he tenido una pasión especial por el denim. De hecho, se podría decir que tengo «sangre azul», pero no por haber nacido en una familia noble, sino porque me apasiona tanto este tejido, que me gusta pensar que el color azul índigo, usado para teñir la ropa vaquera, corre por mis venas.
Debido a mi pasión por el denim estudié diseño de moda, y me especialicé profesionalmente en el dominio de las creaciones con tejido vaquero, trabajando como diseñadora para varias marcas internacionales.
Más tarde estudié también Bellas Artes, con el propósito en mente de encontrar un lenguaje gráfico para poder descontextualizar los vaqueros y ser capaz de crear imágenes en las cuales el material principal fuesen los vaqueros en sí. Todo mi universo gráfico gira en torno a los vaqueros.
Materiales usados: vaqueros usados, cristales Swarovski y cadenas. Técnica: Collage
